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Bibliotecas llevan Cine sobre ruedas a los Valles Centrales

Publicado por @Shinji_Harper el viernes, 25 marzo 2011
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Fortino TORRENTERA O.

Oaxaca, Oax. “Cine sobre ruedas” es el título del programa que las bibliotecas Henestrosa, BS Biblioteca Infantil de Oaxaca y las Móviles han iniciado en los Valles Centrales.

Estas proyecciones se componen de una amplia programación que incluye la cinta “El maquinista de la general” (1926) de Buster Keaton; “La venganza del camarógrafo” (1912), “Las ranas que quisieron ser un rey” (1922) y “El canto del ruiseñor” (1923) de Ladislaw Starewicz.

Estas obras del cine mudo son musicalizadas en vivo por Cinema Domingo Orquesta, un ensamble musical creado en Oaxaca por su fundador, el destacado músico, Steven Brown.

La ruta inició este miércoles 23 de marzo en San Sebastian Abasolo y continúa el sábado 26 de marzo a las18:00 horas en la Colonia Los Ángeles.

El domingo 27 de marzo a las 19:30 horas se presenta en Rinconadas Xoxo, en la Explanada del fraccionamiento: el martes 29 de marzo a las 18:00 horas se exhibe en el Auditorio Municipal de San Jerónimo Tlacochahuaya.

Para el sábado 9 de abril a las 19:30 horas se exhibe en la Explanada de San Bartolo Coyotepec y el domingo 10 de abril a la misma hora en la explanada de la colonia Vicente Guerrero, para cerrar el ciclo el jueves 14 de abril a las 20:00 horas en la Biblioteca Andrés Henestrosa.

El maquinista de La General (título original en inglés: The General) es una de las películas más famosas de la historia del cine mudo. Siguiendo con lo que en él era habitual, Buster keaton, realiza un film lleno de humos y situaciones embarazosas, entre cabriolas y equilibrios. Con una buena fotografía y una planificación minuciosa, consigue crear una cinta llena de comicidad, emoción y poesía.

La película trata sobre la historia de Johnnie Gray (Buster Keaton), un maquinista de la Western & Atlantic que tiene dos pasiones en su vida, su locomotora “La General” y su novia Annabelle Lee (Marion Mack). Cuando estalla la guerra civil, Annabelle pide a Johnnie que se aliste en el ejército del sur para  luchar contra la Unión.

Desgraciadamente, en el momento en que va a inscribirse no es admitido pues lo consideran más útil en su profesión de maquinista que en su posible aportación como soldado. Annabelle cree que es un acto de cobardía y decide no hablarle más. Un año después, Annabelle tiene que viajar porque su padre está herido, y lo hace en la locomotora de Johnnie, al que todavía no le habla.

A mitad del recorrido un grupo de nordistas, intentando enlazarse con el ejército de la Unión en Chattanooga, planea robar a “La General”. Cuando llevan a cabo su huida descubren que Annabelle permanece en la locomotora y se la llevan como prisionera. Johnnie intentará recuperar su locomotora y al mismo tiempo a su amada, aunque al principio no lo sabe…

El maquinista de la General ha sido considerada como la obra maestra de Buster Keaton, en la cual no sólo participa como actor, sino como director y escritor. En la película podemos apreciar las técnicas de las que hacía uso para desarrollar un lenguaje cinematográfico adecuado a lo que él quería transmitir.

Varios autores consideran que Keaton supera a Chaplin debido a que el primero demostró conocer perfectamente el medio en el que se desenvolvía y así lo demuestran aquellas escenas en las que se observa a Johnnie corriendo por la parte superior de la máquina o cuando va en la bicicleta.

El principio esencial en el que se basa el montaje y el contenido de las escenas en general es el de la veracidad y la fidelidad. Keaton procura que lo que graba se vea lo más real y creíble posible, no importándole gastar hasta un millón setecientos mil dólares para dejar caer una locomotora al río.

Igualmente, Buster no acepta el uso de dobles ni en sus escenas más peligrosas, como la de Johnnie sentado en la biela de la locomotora que avanza. El montaje busca explicar las causas de todo lo que sucede en la historia, no oculta nada, al menos no al público. Se muestran las acciones paralelas para mostrar lo que hace un bando y lo que hace el otro.

Keaton utiliza la inexpresividad de su rostro para, a través de los distintos encuadres, los juegos de luces y las expresiones de los demás personajes, transmitir gran cantidad de emociones. Su personalidad está completamente definida, así como el uso que hace del lenguaje cinematográfico para alcanzar su más grande objetivo: hacer reír al público.

Joseph Francis “Buster” Keaton nació en Piqua, Kansas, el 4 de octubre de 1895 y murió en Woodlands, California en 1866. Fue un destacado actor, guionista y director estadounidense de cine mudo cómico. Se caracterizó principalmente por su humor físico mientras mantenía un rostro inexpresivo en todo momento, lo cual le ganó su apodo “Cara de piedra”. Al igual que sus contemporáneos, Keaton provino del vodevil. Su padrino fue el famoso mago Harry Houdini, quien lo apodó “Buster” (el destructor) tras verlo caer de una escalera sin una sola herida a la edad de tres años.

Comenzó actuando junto a sus padres desde los tres años. Sus padres pertenecían a la Mohawk Medicine Company, igual que Houdini. Su padre había sido periodista en el Oesta, y junto a Myra, su mujer, realizaba un número acrobático. El espectáculo debía de ser bastante impresionante, ya que Keaton hijo era lanzado desde un lado a otro del escenario y pisoteado. El sketch se llamaba El estropajo humano y sus padres fueron interrogados por las autoridades en varias ocasiones para comprobar que Buster no salía dañado.

En el momento en que su carrera en el teatro comenzaba a florecer, Keaton comenzó a interesarse por la entonces naciente industria del cine. Decidió probar suerte en el mundo de las películas y se unió a la unidad de cineastas de Fatty Arbuckle. El talento natural de Keaton para la comedia física llamó la atención de Arbuckle, quien pronto lo puso a coprotagonizar sus películas. Keaton y Arbuckle se hicieron amigos inseparables y su primera película fue El Carnicero (The Butcher Boy, 1917), y a partir de ahí, Keaton se empezaría a interesar cada vez más por los aspectos técnicos del cine. Según él mismo, para averiguar cómo funcionaba una cámara de cine, la destrozó en mil pedazos, y comenzó a interesarse por tipos de película, objetivos, proyección y otros aspectos de la cinematografía.

En 1918 fue llamado a filas para la Primera Guerra Mundial, y estuvo siete meses en Francia haciendo espectáculos para las tropas. Allí fue cuando, debido a una infección en los oídos, se quedó prácticamente sordo para el resto de su vida. Cuando volvió a E.U., Fatty estaba preparando su primer largometraje y Joseph Schenck le ofreció su productora para realizar sus propias películas como protagonista.

Entre los años 1920 y 1923, Keaton rodó un largometraje, Pasión y boda de Pamplinas (The Saphead), y 19 cortos. Cuando cambió de productor, rodó, entre los años 1923 y  1928, otros 10 largometrajes. En esa época tuvo control absoluto de todas sus películas, aunque él personalmente no poseía ninguna acción de la productora. Sus rodajes eran muy caros, pues podía pedir una antigua locomotora o un trasatlántico. Después no volvió a controlar el aspecto creativo de sus propias películas.

Keaton comenzó a protagonizar una serie de comedias que lo catapultaron a la fama, incluyendo Una semana, La mudanza, La casa eléctrica y El gran espectáculo. Alcanzó la cime de su creatividad durante los años 1920.su éxito inicial le convirtió en uno de los comediantes más famosos del mundo.

Su popularidad fue opacada solamente por el arrollador éxito de Harold Lloyd y Charlie Chaplin, aunque mantuvo una relación cordial con ambos al igual que con  algunos de los actores más famosos de la época, como Douglas Fairbanks o Rodolfo Valentino.

Sus películas más famosas y populares de esta primera época, son consideradas como las mejores de toda su carrera, e incluyen Las tres edades (1923), La ley de la hospitalidad (1923), El navegante (1924), el héroe del río (1928), El maquinista de la General (1927), El moderno Sherlock Holmes (1924) o Las siete ocasiones (1925)

Con el resurgimiento de la animación como un vehículo popular para los cinéfilos de todas las edades, los espectadores de los  años recientes han crecido abiertos a los filmes animados realizados en computadora.

Los fans de películas en Stop motion como Coraline y El fantástico Señor Zorro pueden encontrar difícil de creer que un trabajo tan complicado se haya hecho sin enormes gastos ni gigantescos estudios. Pero de hecho, películas como estas comenzaron a realizarse cien años atrás. Uno de los pioneros fue el ruso-polaco Ladislaw Starewicz.

Entomólogo de profesión, Ladislaw Starewicz (1882-1965) se interesó por la ilustración, las artes visuales y dramáticas y debutó en el cine como director de documentales etnográficos. En 1909 fue descubierto por Alexander Khanzhonkov y en 1910 estrenó Valka zukov rugachi (La batalla de los escabarabajos-ciervo), su primer película con secuencias animadas.

En el marco del cine presoviético y siguiendo la línea del film d’art francés, Starewicz parodia los melodramas de la época con un hilarante estilo satírico y grotesco utilizando insectos como protagonistas. Sus historias entroncan con la tradición fabulística de Esopo o La Fontaine, sin olvidar la adaptación de los clásicos rusos como Smelev, Pushkin o Gogol.

Destacan entre sus primeros films: Prekrasnia Lukanida (La bella Lukanida, 1910), una parodia de Elena de Troya; Miest kinooperatora (La venganza del camarógrafo, 1911), en la línea de los films de Buster Keaton, y Strekozai i mouraviei (La Hormiga y el Saltamontes, 1911), adaptación de una fábula de Krilov.

En 1919 se exilia voluntariamente cerca de París, donde funda su propio taller y mantiene una carrera en solitario al margen de la creciente industria norteamericana emergente, rechazando sus propuestas de contratarlo. Allí elabora L’horloge magique (El reloj mágico, 1928), Le roman de Renard (La historia del zorro, 1929, 1937/41) – su único largometraje – y crea la serie de aventuras del perro Fetiche.

Su obra, de un alto contenido político, cae sin embargo en el olvido y no ha sido hasta décadas más tarde cuando autores centroeuropeos como Alexandre Lukic Ptushko, George Pal o Karel Zeman toman el relevo de su influencia, que llega a nuestros días de la mano de autores como Tim Burton y Henry Selick (Pesadilla antes de navidad, 1993; James y el durazno gigante, 1995), de la propia Disney, o John Lasseter (Toy Story, 1995-1999; A Bug’s Life, 1998).

Los inicios de Ladislaw Starewicz tuvieron una intención documental al reproducir el apareamiento de los escarabajos-ciervo, imposible de registrar en vivo con los medios de la época. Su técnica y calidad artística han sido alabadas por directores como Terry Gilliam, Nick Park y John Lasseter, y han influido notablemente en el trabajo de realizadores como Tim Burton, los hermanos Quay, Joel Meter-Witkin y Kyle Cooper.

Filmó en Rusia y Francia más de un centenar de películas, desde principios del siglo XX hasta 1965. Olvidado hasta hace poco y rescatado por investigadores y expertos, vuelven las elaboradísimas piezas de este brillante artista que merece aún hoy el reconocimiento que durante tanto tiempo se le ha negado. Cinema Domingo Orquesta lo rescata para los cinéfilos de Oaxaca a través de la musicalización en vivo de algunos de sus cortometrajes.

La Stop Motion, conocida en español como parada de imagen, paso de manivela, o cuadro por cuadro, es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas.

Se llaman animaciones de Stop motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, ni en la de animación por computadora; es decir, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad. Con esta técnica se le da vida a objetos de todo tipo, maquetas, insectos, objetos a escala, muñecos, sean articulados o de plastilina, tomadas de la realidad mediante fotografía o filmación. Cuando lo que se animan son recortes, cartón, papel o fotografías, se llama Animación de recortes (cutout animation).

En la animación con plastilina o con otros materiales moldeables, las figuras se van transformando o moviéndose en el progreso de la animación paso a paso. Es un proceso muy laborioso que requiere fidelidad a los tiempos determinados y a la credibilidad de los movimientos, en ocasiones ojos y boca de muñecos, para cuando sea proyectada a veinticuatro imágenes por segundo. Cualquier materia que pueda ser fotografiada, puede utilizarse para ser animada: arena, agua, agujas, etc. Actualmente, las computadoras facilitan la tarea.

Esta técnica se funde con los orígenes de la cinematografía. Otro destacado pionero fue Willis O´Brien, quien utilizó Stop motion en la película King Kong, de 1933.

En los años 80 Tim Burton utilizó esta técnica para varios de sus trabajos con Disney y luego para El cadáver de la novia (2005); también  Henry Selick la utilizó en su película Coraline (2009).

CINEMA DOMINGO es un proyecto audiovisual ideado por el músico Steven Brown en la ciudad de Bruselas, Bélgica, a finales de los años 80 del siglo XX. La propuesta consistía en la intervención de espacios públicos por un grupo de músicos y un proyeccionista. Armados con sus instrumentos y un proyector de 16mm, musicalizaban filmes mudos de las primeras décadas del siglo.

A principios del nuevo milenio Steven se mudó a la ciudad de Oaxaca, donde refundó el proyecto con músicos locales. Se forma así la “Cinema Domingo Orchestra”, conformada actualmente por Steven Brown en el saxofón alto y soprano, los teclados y el clarinete; Julio García en la guitarra acústica, el bandolón y el requinto jarocho; Bruno Varela en el bajo eléctrico y Oxama en la percusión, cintas de audio, electrónica y efectos.

“Cinema Domingo Orchestra” se ha presentado en festivales de cine, muestras de cortometrajes, festivales interdisciplinarios y conciertos especiales, en foros de la Ciudad de Oaxaca, el interior del Estado y otras ciudades del país.

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